Участники дискуссии:

Cтанислав Савицкий - петербургский арт-критик, куратор, искусствовед, профессор Высшей школы экономики, автор множества книг и статей по истории искусства, среди которых такие как "Взгляд на петербургское искусство 2000-х" (СПб., 2011) и  "Прекрасная Франция" (М., 2014).

Сергей Попов – искусствовед и арт-критик, основатель и директор галереи pop/off/art, Москва. Автор более 200 статей, таких книг как "Всегда другое искусство. История современного русского искусства" (М., 2010) и "Эрик Булатов. Картина после живописи". (М.,, 2017)

Виталий Пушницкий – художник и автор проекта

Выставка носит название TRIBUTE.PAINTING и является программным развертыванием темы благодарственного посвящения с помощью искусства и внутри истории искусства, над которой художник работает последние несколько лет (tribute по-английски – дань, приношение, нечто должное). Для Пушницкого это повод и подвести промежуточный итог собственной деятельности на определенном этапе, и воздать должное великим мастерам в искусстве, на достижения которых он опирается и с которыми ведет диалог в своей живописи. Однако это не просто заимствование или постмодернистское цитирование, но личный, глубоко прочувствованный опыт, построенный одновременно на точном анализе и тонкой, местами ироничной перекличке с любимыми художниками – Веласкесом, Тернером, Магриттом и другими. С темой tribute (посвящения) связана и другая серия Пушницкого STUDIO, несколько новых работ из которой представлено на выставке. Также она является плодом серьезной рефлексии о месте художника в обществе, о собственном месте в искусстве, о трудности творческого процесса. Несколько крупноформатных работ из этой серии, среди которых – самая большая по масштабу из когда-либо написанных ранее живописных картин художника, 9-метровая «Лес», займут один этаж музея.

Выставка в Новом музее – это не только индивидуальный диалог художника с историей искусства, но и посвящение самой живописи, над осмыслением исторического бытования и по-настоящему новаторскими формами которой непрестанно работает Виталий Пушницкий. Отношение живописи к новым медиа, ее связь с фотографией и противопоставление движущемуся изображению на экране – все это идеи и мотивы, отношение к которым художник высказывает в своих произведениях. Недаром, по мнению экспертов проекта «Vitamin P2» издательства PHAIDON, Пушницкий был в 2011 году включен в число мировых художников, определяющих пути в современной живописи.

В рамках выставки будет представлен каталог с текстами Сергея Попова и Станислава Савицкого.

Виталий Юрьевич Пушницкий родился в Ленинграде (ныне Санкт-Петербург) в 1967 году. В 1994 году окончил Государственный академический институт живописи, ваяния и зодчества (б. Академия художеств), параллельно обучался в частной студии художника Ивана Гурина. С 1994 – член Санкт-Петербургского Союза художников. Пушницкий неоднократно получал гранты на творческую работу (США) и создавал публичные проекты для разных стран (Россия, Индия, Дания, Норвегия и др.). Он принимал участие в 56-й Венецианской биеннале (2015, Национальный павильон Маврикия), специальных проектах Венецианских биеннале, параллельной программе европейской биеннале современного искусства MANIFESTA 10 (2014, Санкт-Петербург), специальных проектах I, II и III Московской биеннале современного искусства (2005, 2007, 2009), Балтийской биеннале (2006), в ряде статусных международных выставок. Автор персональных выставок в Государственном Русском музее (2002), Государственном Эрмитаже (2006) и Московском музее современного искусства (2012). Его работы находятся в собраниях Государственного Русского музея, Московского музея современного искусства, Государственного центра современного искусства, Нового музея Аслана Чехоева (Санкт-Петербург), в музеях Калининграда и Новосибирска, Wooyang Museum of Contemporary Art (Кёнжу, Южная Корея), в частных музеях современного искусства в Австрии, Дании, России, во множестве частных и корпоративных коллекций по всему миру. Художник живет и работает в Санкт-Петербурге.

Илья Доронченков – профессор факультета истории искусств Европейского университета в Санкт-Петербурге, профессор Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (Академия художеств)

Николай Кононов – арт-критик, писатель, лауреат премии Андрея Белого, премии Аполлона Григорьева и премии Юрия Казакова. Автор книги об Андрее Пахомове «Алфавит зрения».

Семен Мотолянец – художник, участник группы Parazit, лауреат государственная премии "Инновация" в 2009 г., вошел в рейтинг российских художников журнала Forbes 2017 г. Работы находятся в собраниях Русского музея, Музея нонконформистского искусства.

Виталий Пушницкий – ученик Андрея Пахомова, художник, вошел в рейтинг российских художников журнала Forbes 2017 г. Работы находятся в собраниях ГЦСИ, Московского музея современного искусства, Русского музея, Нового музея.

Станислав Савицкий – арт-критик, куратор, писатель, профессор Высшей школы экономики, руководитель Центра современного искусства Факультета свободных искусств и наук СПбГУ.

Леонид Цхэ – ученик Андрея Пахомова, художник, преподаватель Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина (Академия художеств). Работы находятся в собраниях Русского музея, московского музея современного искусства Art4.ru.

Выставка живописи Андрея Пахомова «Против гравитации» проходит в Новом музее Аслана Чехоева до 17 декабря. Проект представляет живопись одного из классиков русского позднемодернистского искусства Андрея Пахомова. Экспозиция в Новом музее стала первой значительной персональной выставкой после смерти художника в 2015 году. Впервые широкой публике доступны избранные работы из серии «Торсы», написанные Пахомовым в последние годы жизни, когда художник, известный своими графическими работами, погрузился в эксперименты с живописью.

Андрей Пахомов (1947-2015) – художник, график, действительный член Российской Академии художеств, Заслуженный художник Российской Федерации, участник свыше 150 художественных экспозиций в России и за её пределами, автор иллюстраций и оформления около тридцати русских и зарубежных изданий, сооснователь издательства «Редкая книга из Санкт-Петербурга». Профессор Санкт-Петербургского государственного академического института имени И. E. Репина PAX, заведовал кафедрой графики и более тридцати лет руководил персональной мастерской. Станковые и книжные работы Андрея Пахомова отмечены премиями и наградами. Произведения художника находятся в Государственном Русском музее, Государственном Эрмитаже, Научно-исследовательском музее Российской Академии художеств, Российской национальной библиотеке, Британском музее и Музее Виктории и Альберта в Лондоне, в Музее современного искусства в Париже, музее «Альбертина» в Вене, Баварской государственной библиотеке, Кабинете гравюр в Берлине, Кабинете гравюр в Дрездене.

Сын Алексея Федоровича Пахомова, одного из основателей ленинградской графической школы, на книжных иллюстрациях которого выросло несколько советских поколений, Андрей Пахомов в своих изящных рисунках размышлял о первоэлементах графики – линии и объеме. Переосмысляя эстетические основания творчества, художник последовательно пришел к собственному мощному пластическому языку, ясно зримому и в живописных холстах.

Серия «Торсы» – это преодоление академизма, с которым художник был связан почти всю жизнь. Экспрессионистские объемы, вычерченные мастихином, написанные тряпкой и тонкой кистью, в своей грубой и точной сделанности представляют безукоризненно выстроенное размышление о живописном образе. Вразрез с канонами античного искусства этот образ неидеален и лишён гармонии. Торсы Пахомова оживляют архаические формы в изящной, неповторимой неправильности, которую способны создать либо время и случай, либо большой мастер.

Николай Кононов, писатель, художественный критик:

Андрей Пахомов изображает торсы, представляя череду анонимных обнаженных людей в ошеломительном борении с неодолимыми силами гравитации, инерции, сосредоточения, опустошения, сна, молчания, истории и, наконец, самой смерти. Он, в сущности, как живописец, занятый вековечной трактовкой телесного, ничего нового не привносит в бесконечный анализ обнаженной человеческой натуры. Наоборот, он монтирует свое сегодняшнее созерцание в выразительный ряд, простирающийся в нашей культурной памяти, не имеющей края.

В истории искусства всегда поражает то, как чутки художники к поступательному движению науки, будто имеют с ней медиумические связи. Открытие бессознательного, как и теории относительности, совпадает по времени с утверждением абсурдизма и супрематизма как новых способов познания в искусстве. Если рассматривать с этой точки зрения «сериал торсов» Андрея Пахомова, то следует тоже указать на одну фундаментальную параллель, и тогда покажется неудивительным, что зрелищу сумрачных человеческих тел кисти Андрея Пахомова соответствует открытие в новейшей астрономии и космогонии «темной материи». Это форма материи, не испускающей электромагнитного излучения и не взаимодействующей с ним, потому прямое наблюдение ее невозможно, но мы теперь знаем о ее присутствии по гравитационным эффектам, создаваемым ею. И поэтому становится понятно, что телесное, боримое гравитацией и смертью, изображаемое художником, является лишь поводом для внелексического познания напряжения пластических границ и цветовых флуктуаций, не только взаимодействующих с нашим зрением, но и порождаемых им. Это новое уравнение без начальных и граничных условий, постоянно доказываемое художником, возвышает наше знание о нас самих и делает его, нерешаемое, неоспоримым.

9 декабря в 16.00 Новый музей (СПб, 6-я линия В.О., д. 29) тел.: (812) 323 50 90 Билеты: 200 – 350 руб. Необходима регистрация по ссылке https://goo.gl/forms/43lgu2KIJn2TK77q1

Тема, с которой последовательно работает Пахомов, – голова-портрет, обнаженное тело, обнаженное мужское тело, с эпохи Античности остается одной из ключевых в западноевропейском искусстве. Сама академическая система зиждется на умении изобразить обнаженное тело: рисовать учат на постановках с натурщиком.
«Торсы» – это преодоление академизма, с которым художник был связан почти всю жизнь, не будучи, конечно, его характерным представителем. Андрей Пахомов был модернистом, высоко ценившим ремесло и умение, но не неоакадемистом, игнорировавшим искусство ХХ века. Он был знатоком Востока, увлекался японским и китайским искусством и коллекционировал китайскую архаику эпохи неолита. Простота и угловатость форм сближает его рисунки и архаическую пластику, в том числе доэллинистическое искусство, которое он тоже очень любил. Архаика узнается в контурах торсов – фрагментах мужских тел, запечатленных на холстах, выставляющихся впервые.
Эти броские, большого формата картины на первый взгляд кажутся слишком эффектными. Однако, внимательно рассматривая эти экспрессионистские объемы, вычерченные мастихином, написанные тряпкой и тонкой кистью, видишь в их грубой и точной сделанности безукоризненно выстроенное размышление о живописном образе. Он не идеален и не несет в себе гармонии, как подобает, по учебникам, античному искусству. Эти торсы оживляют архаические формы в их изящной, неповторимой неправильности, которую способны создать либо время и случай, либо большой мастер. 

Николай Кононов, писатель, художественный критик
Андрей Пахомов изображает торсы, представляя череду анонимных обнаженных людей в ошеломительном борении с неодолимыми силами гравитации, инерции, сосредоточения, опустошения, сна, молчания, истории и, наконец, самой смерти. Он, в сущности, как живописец, занятый вековечной трактовкой телесного, ничего нового не привносит в бесконечный анализ обнаженной человеческой натуры. Наоборот, он монтирует свое сегодняшнее созерцание в выразительный ряд, простирающийся в нашей культурной памяти, не имеющей края. 
В истории искусства всегда поражает то, как чутки художники к поступательному движению науки, будто имеют с ней медиумические связи. Открытие бессознательного, как и теории относительности, совпадает по времени с утверждением абсурдизма и супрематизма как новых способов познания в искусстве. Если рассматривать с этой точки зрения «сериал торсов» Андрея Пахомова, то следует тоже указать на одну фундаментальную параллель, и тогда покажется неудивительным, что зрелищу сумрачных человеческих тел кисти Андрея Пахомова соответствует открытие в новейшей астрономии и космогонии «темной материи».
Это форма материи, не испускающей электромагнитного излучения и не взаимодействующей с ним, потому прямое наблюдение ее невозможно, но мы теперь знаем о ее присутствии по гравитационным эффектам, создаваемым ею. И поэтому становится понятно, что телесное, боримое гравитацией и смертью, изображаемое художником, является лишь поводом для внелексического познания напряжения пластических границ и цветовых флуктуаций, не только взаимодействующих с нашим зрением, но и порождаемых им. Это новое уравнение без начальных и граничных условий, постоянно доказываемое художником, возвышает наше знание о нас самих и делает его, нерешаемое, неоспоримым. 

Александр Боровский, искусствовед, заведующий Отделом новейших течений Государственного Русского музея 
«Торсы» знаменуют, пожалуй, наименее формальный период в творчестве художника. Многие вещи выполнены в живописи. Пахомов чувствует себя совершенно уверенно в этой медии: работает в жидкой живописи на сближенных тональностях, эффектно обыгрывает просвечивания как средство мерцания и смягчения основного цвета. Опять же конвенциональные представления о живописности ему, похоже, не интересны: не колоризм как таковой его волнует, что-то другое. 
Его торсы странно, нетрадиционно, неэффектно с точки зрения композиционности обрезаны... В целом фрагментирование у Пахомова, как мне кажется, акцентирует момент естественности, непреднамеренности, алеаторности. Торсы не «рассказывают истории»: о своей жизни, эстетическом воплощении, жанровом предназначении и пр. Сартр писал, что плоть проявляется как чистая случайность присутствия. Так вот, бытие торсов – присутствие в нашем опыте. Тактильном – когда они телесно, перцептивно ощутимо касаются нас. Метафизическом – когда они проплывают мимо как образы инобытия. Пожалуй, это им самим, торсам, решать, как им присутствовать в нашей жизни – как телесное касание или как бесплотная тень…

Выставка продлится до 17 декабря.

В новейших течениях искусства фотография заняла заметное место. В экспозиции фотопроекты Владислава Мамышева - Монро, Рауфа Мамедова, Олега Кулика. Одна из самых успешных в мире арт-групп, работающих со злободневными социально-политическими сюжетами АЕС+Ф представлена проектом «Подозреваемые», состоящим из четырнадцати одинаково снятых фотографий девушек-подростков, половина из которых учится в элитной московской школе, а половина сидит в колонии для особо опасных малолетних преступниц, но меж ними нет никаких, по крайней мере, визуальных отличий. Более молодое поколение художников представляют питерцы Виталий Пушницкий и Керим Рагимов, и москвич Леонид Ротарь.

«Аслан Чехоев  уже при жизни вошёл в историю культурного развития России ХХI века. Влюблённый в Осетию, этот юноша, приехавший учиться в северную столицу, был ею покорён. Студентом Первого ленинградского  медицинского института, будущий хирург интересовался искусством, но никогда не думал, что это увлечение станет делом его жизни.

Аслан начал коллекционировать произведения искусств в начале 1990-х годов. Но важно другое. Он долго и серьёзно изучал историю искусства, развивая свой вкус и понимание. «У меня всегда был интерес к нестандартному мышлению, в котором чувствуется современность»,- объяснял Аслан своё пристрастие к абстрактному экспрессионизму, к поп-арту и т.д.

Его коллекция - советское нонконформистское искусство периода 1950-х —1980-х гг.– начала создаваться в 1990-х. Первыми приобретениями в его собрании стали работы «русского Поллока» Евгения Михнова-Войтенко. Позже к ним добавились произведения классиков нонконформистского искусства советского периода, таких как Леонид Кропивницкий, Владимир Немухин, Лидия Мастеркова, Оскар Рабин, Дмитрий Краснопевцев, Владимир Янкилевский, Виктор Пивоваров, Михаил Шварцман, Эдуард Штейнберг, Михаил Кулаков, Олег Целков, Владимир Яковлев, Анатолий Зверев, Лев Нусберг. Он понимал московский концептуализм и глубоко изучил это явление…  У него было много друзей среди ленинградских «нонконформистов» и их произведения также представлены в его коллекции: Владимир Овчинников, Анатолий Белкин, Арон Зинштейн и др. Также в коллекции Чехоева представлено современное российское искусство (АЕС+Ф, Олег Кулик, Анатолий Осмоловский, Леонид Ротарь, Дмитрий Гутов, Алексей Беляев-Гинтовт, Ольга Тобрелутс, Виталий Пушницкий, Григорий Майофис и другие). В коллекции Нового музея сейчас хранятся произведения более 60-ти художников. Эти произведения увидели свет благодаря тому, что в городе появился такой умный, тонкий ценитель искусства, как Аслан Чехоев. 

Коллекция Аслана Чехоева, ставшая основой первого в России частного музея современного искусства, бесценна и на сегодняшний день лучшая по неофициальному искусству 1950-1990х годов. Его не стало…. Будем общаться с произведениями, ставшими частью не только музейной коллекции, но и его жизни». 

Татьяна Юрьева

Татьяна Семеновна Юрьева - профессор кафедры междисциплинарных исследований и практик в области искусств факультета свободных искусств и наук СПбГУ, доктор искусствоведения. Директор Музея современного искусства им. Дягилева, СПбГУ. Заслуженный деятель искусств Российской Федерации. Вице-президент Балтийской международной художественной биеннале (Baltic Biennale) 

Балтийская международная художественная биеннале (Baltic Biennale) – это долгосрочный городской проект, который проводит Музей современных искусств имени С. П. Дягилева Санкт-Петербургского государственного университета, при поддержке Комитета по внешним связям Санкт-Петербурга и Факультета Свободных Искусств и Наук. Мы посвящаем IV Балтийскую биеннале 290-летию Санкт-Петербургского государственного университета. На биеннале 2014 года будут показаны художественные проекты и работы более двадцати иностранных художников и более шестидесяти художников из России. Биеннале включает в себя произведения живописи, скульптуры, видео–арта. Страны - участники: Германия, Дания, Латвия, Литва,  Норвегия, Польша, Россия, Финляндия, Швеция, Эстония.

Метафорой четвертой биеннале станет «Архипелаг Балтия: Новее нового». Культурная близость и своеобразие стран, географически принадлежащих к одному региону, и  демонстрируют единство и разность национального и культурного своеобразия. Новые технологии и идеи искусства,  коммуникации стремительно изменяют поле наших взаимодействий. Метафора «Новее Нового» включает в себя представление о преемственности культурной традиции, когда произведения художников старшего поколения дискутируют с произведениями поколения нынешнего. Для искусства, в этом смысле, нет возраста.

С 2012 года мы проводим Балтийскую биеннале по «венецианскому принципу» -  это не только основной проект, но и сумма кураторских, галерейных проектов, которые будут представлены на разных городских площадках. В прошедшие 6 лет в проекте участвовали: ЦВЗ «Манеж», Rizzordi Art Foundation, Borey Art Gallery, Al Gallery,  ART re.FLEX Gallery, Dmitry Semenov Gallery, СПБ Музей-квартира Набокова, Музей Державина и русской словесности. 

Проекты IV Балтийской биеннале охватят весь город и будут представлены на различных выставочных площадках: галерея дизайна Bulthaup, «Новый музей», РОСФОТО, студия Непокоренные, Музей современного искусства им. Дягилева (СПбГУ), парк факультета Свободных искусств и наук СПбГУ.

Традиционно Балтийская биеннале привлекает петербургских художников разных поколений от Константина Симуна и Левона Лазарева, Владимира Овчинникова, Владимира Духовлинова, Сергея Ковальского и Вадима Воинова до Ольги Тобрелутc, Петра Швецова, Ильи Гапонова, Александра Шишкина-Хокусая и многих других. Наши балтийские друзья, среди которых есть новые имена, будут с интересом встречены петербуржцами и гостями города в галерее дизайна Bulthaup.

Как событие, проводимое Университетом, Биеннале традиционно сопровождается международной научной конференцией, которая будет проходить во дворце Бобринских.  В этом году она посвящена актуальной теме  «Террор и культура» как одному из важнейших вопросов для современного этапа развития общества: от его исторических уроков (от якобинцев до большевиков и «культурной революции» в Китае) до изучения «феномена террора» и  различных форм и способов его проявления в мировой культуре (например, «столкновение культур»,  по Самюэлю Хантингтону).

Т. С. Юрьева

Доктор искусствоведения, профессор СПбГУ

Заслуженный  деятель искусств РФ

 Директор Музея современного искусства СПбГУ

                                                            Выставки и участники

1. Выставка в Новом музее (3-й этаж) «Новее нового» (Россия)

Участники:  Ольга Тобрелутс, Олег Маслов, Андрей Хлобыстин, Виктор Кузнецов , Архипенко Даня, Кирилл Котешов, Илья Архипов, Макаров Стас, Сергей Климов, Белла Матвеева, Денис Егельский, Алексей Ловцов.

2 Выставка в Новом музее (4-й этаж) «Террор и культура» (Россия)

Участники: Александр Шишкин-Хокусай, Вадим Бо, Илья Гапонов, Владимир Духовлинов, Николай Васильев, Стас Казимов, Владимир Овчинников, Сергей Ковальский, Лариса Скобкина, Абрамов, Елена Фигурина, Вадим Воинов, Иван Тузов, Андрей Люблинский, Юрий Штапаков, Михаил Гавричков, Иван Говорков, Елена Губанова, Петр Швецов, Виталий Пушницкий

3. Выставка «Природа скульптуры» в парке факультета Свободных искусств и наук (Россия, Финляндия)

Участники: К. Симун, Д.Федин, М. Лапачугин, П.Тихомиров, А. Сосенская, С. Серов, С. Платонов, А. Дробященко, И. Асиновский., Л. Лазарев, Г. Израилевич, Позины, Sanna Karlsson-Sutisna

4. Выставка «Террор и культура» в галерее «Булхауп» (20 иностранных участников из всех стран Балтии).

Также пройдут две персональные выставки в зале Музея современного искусства имени Дягилева, видеопоказ в галерее Росфото, выставка в студии «Непокоренные».

Таким образом, в IV-й Балтийской биеннале будут участвовать 20 иностранных художников и 59 художников из России.

Мутация привычной городской среды воспринимается как телесная, ментальная и моральная травма. Особенно остро это чувствуется в Петербурге - с его комплексами бывшей столицы, грузом классического наследия, замедленным ритмом европейской провинции. На вызов времени, стирающего временные и географические координаты, художник отвечает актом творения, восполнения, замещения. Лишенное национальной, идеологической и стилистической маркировки, искусство становится столицей потерявшего идентичность мира. 

Кураторы: Анна Франц и Марина Колдобская

Куратор видеопрограммы: Виктория Илюшкина

Куратор саундарт программы: Сергей Комаров

Художники: Людмила Белова, Петр Белый, Иван Говорков и Елена Губанова, Александра Дементьева, Павел Иванов и Алексей Грачев, Марина Колдобская, Андрий Линик, Виталий Пушницкий, Александр Теребенин, Сергей Тетерин, Анна Франц, Антон Чумак, Петр Швецов.

Зарубежная профильная пресса сошлась во мнениях, что "русские художники взорвали венецианскую сцену медиаискусства". Один из ведущих мировых ресурсов о медиаискусстве The Creators Project назвал проект "технологически сложным и вдохновляющим, укрепляющим позиции цифрового искусства на мировой художественной сцене".

На презентации был представлен видеофильм о выставке в Венеции, а также документальные материалы о Берлинском фестивале.

Модератор дискуссии - Марина Колдобская, сокуратор проекта

Фоторепортаж

 

 

 

        

  

 

Виталий Пушницкий, живописец, график, автор объектов, инсталляций, фото-  и видеоработ. Учился в Академии художеств, член Санкт-Петербургского союза художников, участник многочисленных российских и международных выставок, автор множества персональных проектов. Виталий Пушницкий – единственный художник из России, который вошел в авторитетный каталог издательства Phaidon-Vitamin 2011, где собраны работы 100 лучших художников мира.

Коллекции:

Государственный Русский музей,Санкт - Петербург

Государственный центр современного искусства,Москва

Московский музей современного искусства, Москва 

Музей сновидений Зигмунда Фрейда, Санкт - Петербург

Новый музей, Санкт - Петербург

и другие государственные и частные собрания

Фоторепортаж